Die Sammlung der Jesuiten in Österreich ist über einen langen Zeitraum gewachsen und besteht aus Kunstwerken, die durch die Initiativen einzelner Patres in den Besitz des Ordens gekommen sind. P. Ladislaus Velics SJ hat um 1900 im Kalksburger Kolleg ein Kabinett christlicher Kunst aufgebaut.

Sprachen, Spiele, Künste können beherrscht werden. Man spricht korrekt, spielt nach den Regeln, kann zeichnen. Doch das ist erst ein Anfang. Denn jenseits des Beherrschbaren dehnt sich das Reich des Unkontrollierbaren, des Zufälligen.

Der englische Jesuit und Dichter Gerald Manley Hopkins hat den Begriff inscape geprägt. Gemeint ist damit eine wahrnehmbare Gestalt, die in ihrem Erscheinen auch ihren Sinn zu erkennen gibt. Eine Ausdrucksgestalt. Peter Waterhouse hat den Begriff mit Inbild übersetzt. Der wahrnehmbare Sinn wird intuitiv erfasst, ist nicht als ein Inhalt unabhängig von der Form der Gestalt zu betrachten. Siegfried Zaworka hat einen Sinn für Gestalten, für markante zeichenhafte Gebilde. Seine Kunst schafft Inbilder.

Zwei dicke Zöpfe, das Haupthaar mit ein paar Strichen angedeutet und ein paar Striche für den Kontur des Schädels, sonst nichts. Daneben eine Verdichtung von Strichen. Eine Art Horizont, drei fast senkrechte Strichbündel, unten miteinander verbunden, zwei fast schwarze kreisrunde Flächen, eine Menge horizontaler Parallelen, gerundete und zackige Konturen. Was ist das alles?

Das Läuten der Glocke habe ich gehört, noch bevor ich die Frauen kennengelernt habe. Sie lebten schon lange dort, bereits seit tausenddreihundert Jahren. Sie verständigten sich mit Glockenzeichen. Wenn eine in dem riesigen Gebäude gesucht wurde, läutete die Glocke unterschiedliche Signale, je nachdem, wer gesucht wurde und wohin sie kommen sollte.

Diese Malereien und Skulpturen wirken auf den ersten Blick fremd. Sie machen es einem Betrachter, einer Betrachterin nicht leicht. Warum also sollten sie eine Beziehung zu diesen Werken suchen? Und wenn sie eine Beziehung zu den Kunstwerken von Christoph Mayer finden sollten, bewirkt das etwas im Betrachter, in der Betrachterin? Oder bleibt alles beim Alten?

Elisabeth Plank schafft auf Leinwänden großen Formats einfache und zugleich sehr komplexe Welten. In letzter Zeit ist eine Reihe von Arbeiten entstanden, die rechteckige oder quadratische Farbflächen übereinander und nebeneinander angeordnet zeigen.

Jörg Reissner erschafft Bilder auf Leinwand und Papier. Alle diese Dinge sind sehr einfach. Flächen werden übereinander gelegt. Zeichen werden gesetzt. Immer wieder Serien, Thema mit Variationen, Durchspielen verschiedener Möglichkeiten. Und daher auch etwas Musikalisches.

[dia´lo:k] ist eine Ausstellungen von Arbeiten der Künstler und Künstlerinnen von bild.Balance, entstanden im Dialog mit Arbeiten von Christoph Speich. Ausgangspunkt war die Zusammenarbeit von Christoph Speich mit Gerhard Kobrc, einem im Mai 2013 verstorbenen Künstler von bild.Balance.

Die Bilder von Anna Meyer haben etwas Plakatives. Sie sind auf den ersten Blick gar nicht still. Mit einem starken Appell wenden sie sich an die Betrachter. Immer wieder sind sie auch im öffentlichen Raum zu sehen. Anna Meyer malt und baut skulpturenartige Gebilde. Tische oder Sockel bilden ein Gerüst, an dem eine Menge von Bildern und Gegenständen angebracht wird.

2012 war ich in einem Förderungsprojekt für junge Künstlerinnen des Bundeskanzleramtes als Mentorin beteiligt. Die Künstlerin Katharina Stieglitz wurde mir als Mentee für ein Jahr zugeordnet. Im Laufe der Gespräche lernte ich ihre Auseinandersetzung mit dem Medium Fotografie verstehen und ihr Werk schätzen.

Zum ersten Mal bin ich den Arbeiten von Christoph Urwalek vor ungefähr 15 Jahren begegnet. Er war damals ein sehr verheißungsvoller Maler und hat in Öl gearbeitet, sehr farbige Bilder. Gleich war zu sehen, dass da jemand arbeitet, der einen Sinn für Farben hat. Es gab...

Man kann diese aus Eisen geschmiedete Objekte, die Kunst erlaubt ja viele Deutungen, auch anders betrachten, ohne sie auf ihr spezifisch Ästhetisches zu reduzieren: wird hier der ausgestorbenen Menschheit ein Nachleben gesichert, in ihren von einem Überlebenden metallisierten, auf Müllhalden nicht verrotteten Schuhen und Stiefeln aus Kunststoffmaterial, beispielsweise?

Wenn ich aus dem Fenster sehe, geht der Blick in den Himmel und auf die Gebäude gegenüber. Vor der blauen Fläche des Himmels Türme, Häuser, Objekte aller Art. Bei Eric Kressnig ist es umgekehrt. Da ist die Fläche der Malerei, oft ein Blau, vor dem Objekt. Man könnte an die Farbmuster an einer Hauswand denken. Eigentlich malt Eric Kressnig keine Bilder. Er legt Farbflächen auf Körper.

Sevda Chkoutova ist Zeichnerin. Sie arbeitet auf Papier. Viele der Zeichnungen sind großformatig. Das allein ist ungewöhnlich. Ungewöhnlich ist auch die technische Brillanz dieser Arbeiten. Dieses Können wird wohl der Ausbildung in Bulgarien verdankt. Durch das Studium in Österreich ist das Besondere dieser Kunst reflektiert und gestärkt worden.

Als ich Gerlind Zeilner vor einigen Jahren kennen lernte, baute sie aus Karton etwa tischgroße Raummodelle. Sie wurden als eigene Kunstwerke betrachtet und dienten zugleich als Vorlage für Bilder. Ein starker Bezug zum Raum ist der Malerei von Gerlind Zeilner geblieben. Der Raum ihrer Malerei ist aber heute nicht mehr auf Architektonisches oder auf Modelle von Räumen bezogen.

Kamen Stoyanov wurde vor kurzem mit der Msgr. Otto Mauer Preis 2011 ausgezeichnet. Der Preis wird vom Otto Mauer Fonds der Erzdiözese Wien verliehen und gilt als die bedeutendste Auszeichnung für jüngere Künstler in Österreich. Das abgebildete Foto lässt wahrscheinlich nicht sofort erkennen, warum gerade Kamen Stoyanov den Preis erhalten hat. Warum also?

Das Atelier von Heinrich Menches befindet sich im Dachgeschoß eines Wohnungsbaus im 10. Bezirk von Wien. Eine kleine Wohnung, erreichbar über viele Stiegen. Dort entstehen die Bilder. Und dort lehnen sie an der Wand, ein Schatz, über Jahrzehnte gewachsen. Heinrich Menches arbeitet in der Stille.

Max Bühlmann macht Skulpturen und Bilder. Die Skulpturen sind oft wie kleine Bauwerke, sie können betreten oder auch durchschritten werden. Andere erinnern an Möbel. Wieder andere an Spielzeug einer fernen Kindheit, wunderbare Gebilde, Raketen ähnlich und auf wackeligen Stativen montiert.

Die Kunst von Anneliese Schrenk ist äußerst still und zurückhaltend. Sie besteht aus einfarbigen Flächen. Da gibt es welche, die mit Farbstift, Pigmentmarker, Pigment, Büffelbeize und Schuhpaste auf Papier hergestellt werden. Und es gibt andere, die vorgefunden werden. In einer Lederfabrik kauft Anneliese Schrenk Rindshäute, die sie dann auf Keilrahmen spannt.

Während der vergangenen achtzehn Jahre habe ich Richard Hirschbäck Jahr für Jahr in Thumersbach bei Zell am See besucht.  Jedes Mal gab es überraschend Neues zu sehen.  Die Wandlung seiner Kunst, das Ergebnis unentwegten Suchens und intensiver Arbeit, war nicht am gerade aktuellen der Kunstszene orientiert. 

Bei der Entscheidung, Katrina Daschner den Msgr. Otto Mauer-Preis 2010 zu verleihen, war neben der außerordentlichen künstlerischen Qualität auch das Gewagte ihrer Arbeit von Bedeutung. Gewagt heißt hier: es handelt sich um eine Arbeit, in der sich die Künstlerin selber stark exponiert und Inhalte gestaltet werden, die sehr persönlich und intim sind.